FUNDRAISING DINNER 2024

Jeder der Chöre verbringt neun bis elf Wochen des Schuljahres auf Tournee. Zusammen absolvieren die Chöre jährlich rund 300 Auftritte vor fast einer halben Million Zuschauern. Die Wiener Sängerknaben bereisen nahezu alle Staaten Europas, Asien und Australien, Süd- und Mittelamerika, die USA und Kanada. In Wien pflegen sie gemeinsam mit Mitgliedern der Wiener Philharmoniker und des Wiener Staatsopernchores als Hofmusikkapelle eine kaiserliche Tradition: seit 1498 musizieren sie regelmäßig in der Hofburgkapelle. Seit 2012 haben die Wiener Sängerknaben einen eigenen Konzertsaal: Im MuTh kann man die Chöre regelmäßig mit ihren neuesten Programmen erleben. Das Repertoire der Wiener Sängerknaben reicht vom Mittelalter bis zu zeitgenössischer Musik. Motetten und Lieder für Oberchor bilden den Kern des Repertoires, wie auch eigene Arrangements von Volksliedern und wienerischer Musik. Benjamin Britten, Petr Eben, Elena Kats-Chernin, Raoul Gehringer, Heinz Kratochwil, Balduin Sulzer, Wolfram Wagner und Gerald Wirth haben Werke für den Chor geschrieben. Jedes Jahr wirken die Sängerknaben bei Oratorien, Passionen und symphonischen Werken mit; mit den Wiener Philharmonikern, den Wiener Symphonikern, der Londoner und der Osloer Philharmonie, der Staatskapelle Berlin und dem Pittsburgh Symphony Orchestra, unter Dirigenten wie Christian Arming, Ivor Bolton, Philippe Jordan, Joana Mallwitz, Zubin Mehta, Riccardo Muti, Kent Nagano, Christian Thielemann und Simone Young. Zu den besonderen Highlights zählen die Mitwirkungen beim Neujahrskonzert der Wiener Philharmoniker, zuletzt 2012 und 2016 unter Leitung von Mariss Jansons; 2023 unter Franz Welser Möst. Die Wiener Sängerknaben sind immer wieder bei Produktionen der Wiener Staatsoper, der Wiener Volksoper und der Salzburger Festspiele zu sehen; vor allem in Mozarts Zauberflöte. Gelegentlich sind sie auch im Sprechtheater zu erleben – zuletzt in Thomas Bernhards „Jagdgesellschaft“ im Wiener Akademietheater. Ein wichtiger Bestandteil des Repertoires sind Kinderopern und szenische Projekte. In den letzten 25 Jahren haben die Wiener Sängerknaben eine Reihe neuer Opern produziert, darunter Gerald Wirths „Die Reise des kleinen Prinzen“ nach Antoine de Saint-Exupérys berühmtem Buch und Raoul Gehringers „Moby-Dick“ nach dem Roman von Herman Melville. 2010 wurde Gerald Wirths „1398 – der Bettelknabe“ – eine Integrationsoper aus dem Mittelalter – mit fast 100 Mitwirkenden im Musikverein uraufgeführt; 2016 gab es im MuTh eine neue Fassung der Oper in der Regie von Maria Happel zu sehen. Seit den 1920er Jahren sammeln die Chöre auf ihren Reisen Lieder. Eines der erklärten Ziele der Wiener Sängerknaben ist es, die Buben mit möglichst vielen Arten von Musik vertraut zu machen. Die Ergebnisse dieser Arbeit – oft mit internationalen Gastkünstlern – kann man bei Crossover und Weltmusik-Konzerten im MuTh hören und sehen. Die erste Tonaufnahme mit den Hofsängerknaben entstand 1907; seither wurden regelmäßig Aufnahmen gemacht: 43 Schellacks, 55 Singles, 128 LPs und 150 CDs stehen zu Buch, die zweimaligen Grammy-Gewinner sind auf allen großen Labels vertreten. 2015 wurde ein langfristiger Vertrag mit Universal Music – Deutsche Grammophon unterzeichnet; nach einer Weihnachts-CD erschienen 2018 die CD „Strauss For Ever“ und 2021 das Album „Together“. Zahlreiche Filme und internationale TV-Dokumentationen belegen die Popularität der globetrottenden Knaben. Derzeit besuchen rund 300 Kinder und Jugendliche den Campus im barocken Wiener Augarten. Begabte Buben werden im Alter von zehn in einen der vier Knabenchöre aufgenommen; Mädchen singen mit den Wiener Chormädchen weiter. Seit 2010 gibt es eine Oberstufe für Jungen und Mädchen mit Schwerpunkt Vokalmusik. Der mit der Musikuniversität Wien und dem Salzburger Mozarteum entwickelte Lehrplan ist auf junge Stimmen zugeschnitten; die Schule ist die einzige ihrer Art. Jede Schülerin, jeder Schüler soll bestmöglich gefördert werden. Ein Drittel der Schüler ergreift künstlerische Berufe; sie werden Komponisten, Dirigenten, Sänger oder Instrumentalisten. Andere singen und musizieren in ihrer Freizeit. Es gibt zwei Männerchöre, die sich ausschließlich aus ehemaligen Wiener Sängerknaben zusammensetzen – den Chorus Viennensis und die Choralschola der Wiener Hofburgkapelle. Inzwischen gibt es auch ein A-capella-Ensemble, Vie-Vox und den gemischten Alumni-Chor.

Ihre Engagements bei internationalen Festivals umfassen u. a. die Salzburger Festspiele, die Bregenzer Festspiele, den Wiener Klangbogen, die Wiener Festwochen, das Musica Sacra Rom, das Edinburgh Festival, das Richard-Strauss-Festival Garmisch, das Beethovenfest Bonn und das Johann-Strauß-Musikfestival Coburg. Ildikó Raimondi wendet sich mit besonderer Vorliebe der Musik des 20. Jahrhunderts zu. Werke von Franz Schmidt, Arnold Schönberg, Alexander Zemlinsky, Egon Wellesz, Ernst Krenek, Gottfried von Einem und zeitgenössische Musik u. a. von Friedrich Cerha und Thomas Daniel Schlee gehören zum Repertoire der Sopranistin. Ihre Liederabende im Wiener Musikverein und in vielen Städten des In- und Auslands setzen immer wieder Maßstäbe der Interpretation und Programmgestaltung. Im Rahmen eines größeren wissenschaftlichen Lied-Projekts gab Ildikó Raimondi die Sammlung der 41 Goethe-Lieder des tschechischen Komponisten Wenzel Johann Tomaschek heraus. An der Wiener Staatsoper war Ildikó Raimondi in jüngster Zeit als Dame (Cardillac), Donna Elvira (Don Giovanni), Rosalinde (Die Fledermaus), Pamina (Die Zauberflöte), Alice (Falstaff), Musetta (La Bohème) sowie in der Uraufführung von Iván Eröds Kinderoper „Pünktchen und Anton“ zu erleben. Die Gräfin (Capriccio) sang sie im Palast der Künste Budapest und als Arabella gastierte sie an der Ungarischen Staatsoper. Zahlreiche CD- und DVD-Aufnahmen sowie Rundfunk- und Fernsehmitschnitte dokumentieren ihr künstlerisches Wirken. Ildikó Raimondi ist Österreichische Kammersängerin und Integrationsbotschafterin. Seit 2015 ist sie Professorin für Sologesang an der Universität Mozarteum Salzburg.

Im Frühling 2023 feierte Michael Schade als Herodes in einer Neuproduktion von Strauss‘ Salome an der Canadian Opera Company einen großen Erfolg. Bei den Salzburger Festspielen war Michael Schade viele Jahre regelmäßiger Gast u.a. in Neuproduktionen wie Mozarts La clemenza di Tito, Purcells King Arthur, Mozarts Die Zauberflöte, Haydns Armida, Cherubinis Medée, von Winters Das Labyrinth und in der Titelpartie von Schuberts Fierrabras ebenso wie auf dem Konzertund Liedpodium. 2008 bis 2010 betreute er hier als Creative Director das von ihm initiierte Young Singers Project. Mit seinem großen Konzertrepertoire, das von Bachs Passionen bis Mahlers Lied von der Erde reicht, arbeitet Michael Schade regelmäßig mit Dirigenten wie Ivor Bolton, Semyon Bychkov, Riccardo Chailly, Iván Fischer, Valery Gergiev, Stefan Gottfried, Daniel Harding, Pablo Heras-Casado, Philippe Jordan, Fabio Luisi, Zubin Mehta, Riccardo Muti, Kent Nagano, Yannick Nezet-Séguin, Peter Oundjian, Sir Simon Rattle, Christian Thielemann, Robin Ticciati, Franz Welser-Möst und Simone Young zusammen. Seine musikalische Tätigkeit war stark geprägt von einer Vielzahl an Auftritten mit Nikolaus Harnoncourt. Zu Beginn der Saison 2023/2024 feierte Michael Schade sein Debüt in Australien – und zwar als Flamand in Strauss Capriccio unter der Leitung von Simone Young in Melbourne. Weitere Höhepunkte sind neben zahlreichen Liederabenden die Titelpartie in Mozarts Idomeneo an der Opera Australia in Sydney, Mahlers Lied von der Erde in Bern, Rossinis Petite Messe Solennelle in Lyon, Mahlers VIII. Symphonie mit dem NHK unter der Leitung von Fabio Luisi in Tokyo, Beethovens IX. Symphonie mit den Wiener Symphonikern unter der Leitung von Omer Meir Wellber im Wiener Konzerthaus, Orffs Carmina Burana mit Andrés Orozco-Estrada in der Pariser Philharmonie, Beethovens IX. Symphonie mit der Wiener Akademie und Martin Haselböck in der Historischen Stadthalle Wuppertal. Als Liedsänger wurde der Künstler bei den wichtigsten Veranstaltern wie u.a. in Wien im Musikverein, Konzerthaus und in der Staatsoper, im Amsterdamer Concertgebouw, in der New Yorker Alice Tully Hall und Carnegie Hall, in der Londoner Wigmore Hall, beim Verbier Festival, bei der Schubertiade Schwarzenberg, sowie beim Grafenegg Festival gefeiert. Jüngste Liederabende führten ihn an die Wiener Staatsoper, an die Mailänder Scala und ins Concertgebouw nach Amsterdam. Aus den zahlreichen Einspielungen sind jene mit Harnoncourt wie z.B. Bachs Matthäus-Passion (Grammy-Auszeichnung), Verdis Messa da Requiem, Händels Messiah, Haydns Orlando Paladino, Mozarts Zaide und La clemenza di Tito zu nennen. Weitere prämierte Aufnahmen sind Mahlers Lied von der Erde mit den Wiener Philharmonikern unter Pierre Boulez, Mozarts Requiem mit den Berliner Philharmonikern unter Claudio Abbado sowie Strauss’ Daphne unter dem Dirigat von Semyon Bychkov (Grammy Nominierung 2005) und der Live-Mitschnitt einer Mozart-Gala der Salzburger Festspiele, sowie Schuberts Die schöne Müllerin mit Malcolm Martineau, Soirée Française und Mozart: Arie & Duetti, Schuberts Die schöne Müllerin mit Rudolf Buchbinder (Live Mitschnitt) und die DVDs von Arabella (Wiener Staatsoper), Das Labyrinth (Salzburger Festspiele) und dem Sommernachtskonzert der Wiener Philharmoniker. 2007 wurde dem Künstler der Titel Österreichischer Kammersänger verliehen. Seit 2014 hat Michael Schade die künstlerische Leitung der Internationalen Barocktage Stift Melk inne, die jährlich zu Pfingsten stattfinden. 2017 wurde Michael Schade zum Officer to the Order of Canada (OC) ernannt. Seit 2019 ist Michael Schade als Gesangsprofessor an der Universität für Musik und darstellende Kunst tätig, wo er sich neben zahlreichen Meisterkursen intensiv dem Sängernachwuchs widmet.

Europaweit findet man ihn als Musiker bei renommierten Festivals: darunter das ALBA – International Chamber Music Festival, das Festival Lent (Maribor), das Salieri – Zinetti Competition Festival (Verona), das Jeunesses Musicales Slovenia, die Musikwochen Millstatt, das Château de Bourgon sowie das Kees van Baarenzaal (Den Haag). Trobas ist mit Musikern wie Tomaž Mocilnik, Vita Peterlin, Floris Willem und mit internationalen Orchestern wie dem Euro Symphony SFK und Plural Ensemble aufgetreten. Neben dem klassischen Repertoire setzt sich Trobas intensiv mit der Neuen Musik auseinander und wirkte bei renommierten kammermusikalischen und orchestralen Projekten, wie dem „steirischen herbst“, sowie bei der Uraufführung der Oper „Asteroid 62“ des Komponisten Kourliandski an der Kunstuniversität Graz mit.

In ihrem neuesten Programm „z e h n“ feiern die beiden Musiker ihr zehnjähriges Ensemble-Bestehen und präsentieren aktuelle Stücke, die zu einem großen Teil im Pandemie-Lockdown entstanden sind. Die musikalische Zusammenarbeit und Beziehung der beiden Instrumentalisten im Duo BartolomeyBittmann ist geprägt durch eine gemeinsame Vision im Spannungsfeld einer gänzlich unterschiedlichen individuellen musikalischen Herkunft. Das zentral verbindendste Element kann mit den Begriffen „Liebe am Groove“, am herausfordernden Klang, am Respekt vor dem Instrumentarium sowie an der Faszination „Time“ beschrieben werden. Matthias Bartolomey kommt aus einer der bedeutendsten Wiener Musiker-Dynastien. Sein Vater und auch seine Vorväter standen im Dienst der Wiener Philharmoniker. Durch diese familiäre Prägung beziehungsweise durch seine langjährige Tätigkeit als Solocellist im Concentus Musicus von Nikolaus Harnoncourt sowie seinen kammermusikalischen und solistischen Tätigkeiten mit einer Vielzahl an renommierten österreichischen Musikern haben Matthias Bartolomey sowohl die barocke als auch die klassische Ästhetik des Violoncellos inhalieren lassen. Seine Sehnsucht nach einer kreativen Verwirklichung und Umsetzungsmöglichkeit lässt Bartolomey bei BartolomeyBittmann in eine aktive kompositorische Rolle schlüpfen und seine, bereits seit Anfang seiner Karriere in ihm schlummernden Ziele, verfolgen. Klemens Bittmanns musikalische Laufbahn ist für das eher klassisch geprägte Instrument Geige untypisch verlaufen. Seinen Schwerpunkt hat Bittmann immer genau dort gesucht und platziert, wo die Geige als Exot betrachtet werden kann. Das frühe Verlagern seines Schwerpunktes in die Kontexte von Jazz, Rock und Worldmusik haben stets die Frage nach einem eigenständigen Sound und einer eigenen Spielweise in den Mittelpunkt gerückt. Das spiegelt sich auch in seiner individuellen sowie speziellen Verwendung und Entwicklung des Instrumentes Mandola wider. Seine vielfältigen Kooperationen mit bekannten Jazz-, Pop- und Worldmusikern der österreichischen Kulturlandschaft haben diese persönliche Ausdrucksform weiter geformt und geprägt. In ihrem gemeinsamen Tun und Schaffen sind BartolomeyBittmann daran interessiert, diese individuellen Welten weiter zu verbinden. Das wertschätzende Element und das Erkennen der Stärken dieser zwei unterschiedlichen Historien sind charakteristisch in der BartolomeyBittmann-Beziehung. BartolomeyBittmann kann und will nicht ausschließlich Musik machen. BartolomeyBittmann ist auch Tanz, Bewegung, Klang und Gefühl. Auch ihre Vokal-Stimmen sind eine Erweiterung und Verstärkung zu ihren drei Instrumenten im Ausdruck des instrumentalen Musizierens. BartolomeyBittmann mit ihren Instrumenten sind Ausdruck einer Generation in Musik, doch die visualisierte Umgebung unserer Zeit ist im besten Fall nicht nur auf das akustische Erleben beschränkbar. Jeder Griff, jede Geste und jede Mimik ist ihren Tönen gleich bedeutend und ebenbürtig, um das zu vermitteln, was die beiden als Cellist, Geiger und Mandolaspieler leben und ausdrücken wollen. Am stimmigsten hat wohl Nikolaus Harnoncourt einen Zugang zur Performance im Allgemeinen beschrieben, den sich das Duo als ultimatives „BartolomeyBittmann-Ziel“ gesetzt hat: „Nur am Rande zur Katastrophe kann wirkliche Schönheit entstehen.“